在克莱蒙·丹尼的画作中，动作与线条交错，色彩诉说情感。那些在想象与记忆之间成形的丰富人物形象，其背后隐含着艺术家怎样的提问？我们访问了艺术家本人，请他谈谈创作技法与主题背景。

作为有生命的媒材"纸"

白石画廊台北

—在先前的访谈中，你曾提到对特定工具与材料的偏好。你现在仍然手绘吗？是否尝试过新的技法？

丹尼：2011年，我开始尝试将身体作为创作工具。到了2012年，我尝试将手直接浸入颜料，这让我感受到一种真正的共鸣——我意识到颜料不仅仅是颜料，而是一种可以发展成语言的媒介。从那时起，我的手指与双手便成为创作过程中的重要部分。但为了探索更多技法与变化，我开始融入其他工具，以赋予画面不同的节奏，使作品更加丰富且富有趣味。 我所使用的工具与我所探讨的主题之间存在着一种互动。

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—我听说你对纸张作为创作媒介有着强烈的偏好。是什么吸引你选择纸张？为什么你会选择纸而非画布？

丹尼：对我来说，作品必须是充满生命力的、充满活力的、且不断演变的。这就是为什么我选择纸张而非画布。纸张是有机的，而搭配压克力与绘画工具，我可以更快地创作，并始终保持相同的能量。

从技术角度来看，纸张能提供更丰富的表现空间。我可以利用颜料的"汁液"渗透纸张，使颜料进入纸张的内部，并与层层堆叠的厚重笔触互动。纸张的不同层次要求更精确的掌控，因为每一笔都会影响画面，因此需要谨慎处理失误，或最好是避免失误！这种特性让我再次联想到人类的本质——我们的行动与选择同样会对未来产生深远影响。

动作化为线条，情感化为色彩

Clément Denis ”The Wait - Watching the Traces II” 2024, 90.0 × 70.0 cm, Mixed media on paper

—《The Wait》系列与身体动作之间有什么样的关联？

丹尼：这个系列中，我主要受到了两种影响，并尝试了两种表达方式：在动态表现方面，我从罗丹的素描中汲取灵感。在他的素描中，他捕捉到模特儿摆出不同姿势时的动态，这些动作既是静止的，又是一种期待的状态。我特别关注了他生命最后三十年间的素描作品。他的笔触流畅且充满表现力，即使有些素描看起来未完成，却能强烈传达情感。他对画面构图与形体组织的掌控，促使我思考如何将动态与张力融入画作，呈现那些等待中的人物，并强调他们的"心理状态仍然是活跃的"，仿佛在寻找一条前行的道路。

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—各个系列中色彩的差异，是基于什么样的用意？

丹尼：关于色彩，我的选择取决于我所想表达的主题。例如，在《搏斗》（The Struggle）系列，特别是那些以交织纸张创作的作品中，背景近乎蓝色的基调呈现出一种浓厚的水波纹理。这是因为我想象我们都身处在"生命之水"中——有时我们感觉像是在溺水，有时则浮出水面，有时我们则顺流而行，轻松穿越生活的挑战。

我的色彩运用在多年来不断演变，当前我更倾向于鲜艳、酸性色调，以提升我所探讨的主题。在某种程度上，我试图颠覆欧洲绘画中以柔和色彩（棕色与黄色）为主流的传统。例如，在《逃脱》（The Escape）系列中，我受到年代久远的意大利宗教壁画影响，这些壁画因岁月侵蚀而颜色黯淡，但我选择将这些画面转化为明亮、甚至接近流行艺术的色调。

关于线条，在《等待》（The Wait）系列中，我试图在画面处理上寻找一种张力与力量感，我用几乎消隐的轮廓相互叠加，形成错综复杂的形状，同时以明亮的色彩勾勒细线。

从描绘某个人这个提问开始的旅程

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—你的画中人物有特定的模特儿吗？还是完全来自想象？

丹尼：两者兼有，依据不同的系列而有所变化。我的创作过程通常从想象开始，我先构思想要描绘的画面，然后翻阅我的图像档案。这些资料来自不同来源，例如：家庭照片、自己拍摄或收集的影像、广告图片与明信片、无版权战争档案。接着，我会在脑海中进行拼贴与组合，有时也会画草图来整理构图。我某种程度上算是网络世代的产物。在我亲身探索世界之前，我已经透过数位影像先行体验了这个世界。

相比之下，我的风景画则更具混合性（hybrid）——它们融合了东方与西方的视角。而当我处理"图案"（pattern）时，我时常无意识地发现，自己受到非洲与中东的启发。这些影响，无论是在形式上还是文化深度上，都成为我作品的一部分。

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ー这次展览中的三个系列作品各自从不同的来源汲取灵感。你什么时候最有灵感？你的日常生活中灵感是如何浮现的？

丹尼：我的大脑就像是一座巨大的图书馆，我会因为好奇心将所有发现的事物储存在其中。因此，很难说灵感究竟何时出现，或者是如何产生的。

我的作品通常来自对社会议题的本能反应，这些问题经常萦绕在我的脑海中。我的艺术毫无疑问是政治性的，但并非关于政客，而是关于社会，关于人。世界各地都在建造围墙，而不

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ー《逃脱》（The Escape）系列参考了难民历史，而当今世界的战争仍不断导致大量人口流离失所。通过这个系列，你希望传达什么信息？

丹尼：在《逃脱》这个系列中，我的目标是让人们回到我们共同的起源——智人（Homo sapiens）。因此，我深入研究了最早的洞穴壁画（如拉斯科洞窟）以及早期基督教壁画中讲述犹太人出埃及的故事。但在台北展出的作品中，我还加入了对南岛语族迁徙（Austronesian journey）的微妙参考。

我想要引发的是对话——一种更深层次的讨论，关于我们共同的起源，以及它如何与当代各国的领土争议产生联系。我不想只关注过去三百年的台湾历史，而是想回溯到更根本的东西——远远超越3000年前的世界。

台湾在成为殖民地之前，最早是原住民的土地，它是南岛语族文明的发源地。这也是为什么，在创作这个系列时，我花了时间研究台湾原住民，特别是排湾族、布农族、泰雅族、阿美族等民族。他们的文化、工艺，以及服饰的色彩……

这些色彩融入了《逃离》系列的画面中。

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ー这次展览的标题是《超越界条，边界消逝II》。你会继续这个系列吗？

丹尼：这个系列会有第三部分，因为我原本将整个展览拆分成三个阶段：The Wait（等待）、The Escape（逃脱）、The Struggle（搏斗）。但对我来说，还缺少第四个阶段：The Creation（创造）。 《超越界条，边界消逝》展览系列的第三部分将专注于"创造"，因为这是对这个系列所提出问题的最终探索。要知道自己要去往何处，就需要确立四个方位，因此我认为发展这第四个阶段是必要的。

为了实现这一点，我正在与国立台北艺术大学（NTUA）的女性舞者合作，同时也受到布拉瑞扬舞团（Bulareyaung Dance Company）男舞者肢体运用的启发。 因为舞蹈是一种以身体创造的艺术，而我对人体与人类形态的迷恋，让我觉得舞蹈是极具表现力的媒介。

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绘画，是与社会对话——与历史、记忆，以及个体的声音对话。克莱蒙·丹尼以沉静而坚定的笔触，不断描绘着这些提问。

克莱蒙·丹尼在白石画廊台北的个展将展出至2025年4月26日。部分作品可于线上观赏。

克莱蒙·丹尼：超越界线，边界消逝 II