这篇采访来自Art Alpha, 并将分上下两篇发布。此次我们将为您带来第二部分的采访。

杨泳梁采访第一部分

一边致敬一边创造：利用现代手段，也要手工感

杨泳梁 《暮色篝火》2024-2025, 100.0 × 100.0 cm, 布面油画

ー(ArtAlpha)打造画面的构图您是否需要阅读很多中国古代山水的作品？

杨泳梁：在构图方面，我确实建立了一个庞大的数据库，其中包含大量中国山水画的资料。然而，真正可用的资源并不多，特别是以城市为主题的中国画本就很少，那些我真正欣赏、值得借鉴的经典作品更是凤毛麟角。

反而在运用新材料的作品中，我参考了更多中国传统书画的构图方式。这种借鉴不仅仅是表面上的风格引用，而是在绘画创作的过程中，从根本上对构图结构进行了重新构建和调整，使其保留了中国书画的空间层次感，又适应了当代视觉表达的需求。

杨泳梁 《皇后大桥 Ed. 6/15》 60.0 × 60.0 cm, 2024, 艺术微喷

ー打造画面的构图您是否需要阅读很多中国古代山水的作品？

杨：在构图方面，我确实建立了一个庞大的数据库，其中包含大量中国山水画的资料。然而，真正可用的资源并不多，特别是以城市为主题的中国画本就很少，那些我真正欣赏、值得借鉴的经典作品更是凤毛麟角。

反而在运用新材料的作品中，我参考了更多中国传统书画的构图方式。这种借鉴不仅仅是表面上的风格引用，而是在绘画创作的过程中，从根本上对构图结构进行了重新构建和调整，使其保留了中国书画的空间层次感，又适应了当代视觉表达的需求。

杨泳梁 《天青山下》2024-2025, 250.0 × 200.0 cm,布面油画

ー此次展览也有您的一些摄影作品，这些作品的创作过程是怎样的？

杨：我所有的作品素材几乎都是自己亲自拍摄的。这是一个根深蒂固的习惯，甚至可以说是一种执念。别人拍摄的素材无法真正融入我的创作。所以，无论多麻烦我都坚持自己去拍摄。

我曾经尝试让别人帮忙收集一些基础素材，但最终发现，用起来总是不顺手。那些素材即便放在电脑里，我也常常下意识地忽略，久而久之，整个文件夹都被遗忘。相比之下，自己亲自拍摄的画面，总会带有某种特殊的情感记忆，每一帧的构图、光影，甚至按下快门时的心境，都会在后期处理时浮现出来，成为创作的一部分。

杨泳梁《日灼翡翠》 2024, 150.0 × 150.0 cm, 布面油画

当然，随着设备的进步我的拍摄方式也在逐步拓展。现在我开始运用无人机来获取更多样的视角，尤其是一些常规摄影难以企及的角度。比如，作品中那些临海的画面，就是通过无人机深入海面上空，从海的方向回望城市拍摄的。

这种视角在过去几乎无法实现。而现在，无人机的稳定性和拍摄精度都提升了不少，不仅可以拍摄静态照片，还能录制高质量的视频，让我能更自由地探索空间关系和光影层次。

白石画廊2025《消失的远山》展览现场

后期制作仍然是我创作的核心环节，大量的素材会被导入电脑进行拼接、重组，形成最终的画面。

近几年，我也开始尝试在某些极小的局部细节上运用AI工具，作为辅助手段来优化画面，比如调整材质、增强细节等。

但整体而言，我依然保持着手工合成的方式，AI只是一种补充，而非决定性的创作手段。对我来说，作品最终呈现出的情感厚度和细腻度，仍然需要依靠个人的感知与直觉去打磨。

杨泳梁 《大雁 Ed. 15/15》2021, 130.0 × 90.0 cm, 艺术微喷

ー您的影像作品之间是否存在某种联系？还是说每一件都是独立存在的？

杨：表面上看，每一件作品都是独立成立的，但如果深入去感受，会发现它们之间其实存在某种联系。这种联系并不是直接的叙事性关联，而是一种更抽象的、内在的联系。有时候，一件新的作品可能会呼应我几年前的某些观点，或者与另一件看似毫无关联、甚至属于不同媒介的作品产生某种共鸣。

就像我的影像作品与实验电影之间的关系，它们之间并不是线性的延续，而是一种更自由的化学反应。某个主题、某种情感或视觉语言，可能会在不同的作品中以不同的方式重现和延展，它们彼此影响，相互渗透，从而形成更大的整体。

不限制自己在任何媒介
真正强大的作品包容而开放

白石画廊2025《消失的远山》展览现场

ー在您的作品中，对快速发展带来的失落感、消逝的仪式感等情绪表达得十分强烈。多年来，您是否收到过让您印象深刻的反馈？

杨：我收到的反馈有时候还挺有趣的。有些人能从我的作品中看到他们自己的情感投射，而这恰恰对应了我创作心境的几个阶段。

刚开始创作时，大概是2007年左右，我的想法非常直接，我迫切地想让观众看到一些他们可能忽略的东西。我觉得自己发现了一些重要的事物，就像在告诉观众：“你没注意到，但我看到了，我想告诉你。”那时候的表达是带有某种宣告性的。

杨泳梁《溪流Ed. 2/7》2023, 8’00’’,单频4K 视频

但后来，随着时间推移，我看了许多国际大师的作品，逐渐意识到，艺术的价值并不在于简单地告诉观众答案，而是去提出问题。

一个更高层次的作品，应该是让不同的观众带着自己的经历去解读，让作品成为一种提醒，而非宣讲。这样观众才能真正参与进来，而不是被动接受某种“我比你知道得多”的高高在上的视角。我觉得真正强大的作品，是包容的、开放的。

白石画廊2025《消失的远山》展览现场

再后来，随着自己的成长、经历的变化，以及接触到更多的作品，我对艺术家的角色有了新的理解。

我开始意识到，艺术创作更像是构建一个世界——我邀请观众进入我的世界，而这里的一切都是我精神的呈现。无论媒介是什么，本质上都是艺术家用自己的眼光创造出的世界。当观众进入作品时，他们就进入了这个世界，这种体验本身比单纯的信息传达更有力量，也更耐人寻味。

正因如此，我并不想限制自己只使用某一种媒介。很多艺术家只做摄影，那他们的观众也会被局限在喜欢摄影的人群中。但我希望打开媒介的边界，让更多人能进入我的世界，哪怕他们一开始对摄影不感兴趣，也能通过不同的方式感受到我的作品。

杨泳梁 《凌波翡翠》 2024, 150.0 × 150.0 cm, 布面油画

比如，近几年我开始尝试VR的创作。VR可以更直观地呈现我想表达的东西，观众甚至能真正“走进”这个空间。

疫情期间，这个项目一度暂停，因为展览和交互的方式受到限制，VR头显在那种环境下也不太适合。但现在，随着技术的进步，硬件越来越成熟，我又重新启动了这个方向。

目前，我不仅在探索传统VR设备的展示方式，也在思考如何创造一种沉浸式的全景体验，让观众无需佩戴VR设备，也能感受到进入另一个世界的沉浸感。

对我来说，创作始终是一个探索的过程，我也在不断调整和拓展我的表达方式。

杨泳梁 《胭脂晨光》在白石画廊2025《消失的远山》展览现场

ー近年来，大家一直在讨论新媒介，比如NFT和AI，在艺术创作中的应用也越来越广泛。但是您似乎又回归到了绘画这一相对传统的媒介。您如何看待新媒介带来的机遇和挑战？

杨：我认为新媒介带来的机遇和挑战是并存的。以AI为例，它的确可以大幅提高创作效率，许多原本需要花费数天完成的工作，现在可能瞬间就能生成。但我基本不会让观众察觉到AI在我的创作中发挥了什么作用，因为我更关注作品的情感表达，而AI在这一点上仍有很大局限。

至于NFT，当年非常流行时，很多人建议我去做，但我一直没有涉足。我的判断是，NFT本质上只是基于区块链的技术，它唯一对我有价值的地方可能是数字证书的概念，可以用来认证新媒体艺术的唯一性。但除此之外，它并没有触及到艺术本身的核心价值。所以，我选择了观望，对于我来说，NFT 甚至可能会削弱线下艺术的价值，因此我从未真正去尝试。

白石画廊2025《消失的远山》展览现场

AI的出现让我产生过一些想法，比如训练自己的AI模型来辅助创作。但实践下来，我发现目前AI的局限性仍然很大。它的生成能力虽然强大，但往往缺乏艺术的“灵魂”。在视觉上能带来震撼感，但很难让人产生长期的情感共鸣。

真正的艺术不仅仅是视觉冲击，它还应该在观看时、体会时、甚至回忆时都能带来不同的感受，而 AI 作品通常只能停留在第一层的冲击力上。

从审美角度来看，我认为 AI 未来可能会取代大部分视觉层面的工作，尤其是那些以技术和效率为主的领域。然而，艺术的核心是独特性，是艺术家的个人表达，而 AI 的目标则是迎合大众，本质是不同的。因此，虽然 AI 可能会影响艺术行业的某些方面，但真正顶尖、具有独特价值的艺术仍然很难被替代。

白石画廊2025《消失的远山》展览现场

ー在影像艺术的早期，中国有许多艺术家涌入这一领域，利用这一媒介表达城市快速变迁等主题。然而，近些年这股热潮似乎逐渐消退，而您一直深耕其中，如今在这一领域被认为是少数仍然活跃的代表之一，为什么没有改变这一初衷？

杨：其实这与我的教育背景密切相关。我小时候学习的是中国传统艺术，包括国画、书法、篆刻，甚至装裱，虽然并不精通，但这些经历塑造了我的艺术感知。进入大学后是学的视觉传达设计，开始接触实用艺术。这个专业让我深入了解数字艺术，包括摄影和数字影像的创作。后来这些就成为我表达的一部分，而我的创作主题也随之自然而然地形成。

还有，作为一个成长于上海郊区的人，我既不是土生土长的市中心居民，也不是完全的局外人，这种“介于之间”的视角让我对城市的发展有着既主观又客观的观察。我所创作的作品正是我内心真实的反应，而这种内在驱动力让我一直坚持至今。

就像您提到的，为什么我依然在这个领域持续创作？因为这就是我自己，它根植于我的经历和情感，我也无法刻意去改变。

杨泳梁：消失的远山